OtGO: El suelo como lugar de memoria
-- The text in English --
OtGO (Otgonbayar Ershuu)
Slavery Narratives: The Atlantic Slave Trade & The Native Americans, 2013-2023 Acrílico sobre lienzo, 215 x 1.000 cm
Work in progress - YouTube: https://youtu.be/F_Rr5YlGYRA?si=LvNuKBeKE2i_ffsA
Texto por Regina Esquenazi Levy
París, Francia 2026
-- The text in English --
Regina Esquenazi Levy
OtGO (Otgonbayar Ershuu)
Slavery Narratives: The Atlantic Slave Trade & The Native Americans, 2013-2023 Acrílico sobre lienzo, 215 x 1.000 cm
En 1950, Hans Namuth fotografió y filmó a Jackson Pollock mientras
pintaba sobre el suelo de su granero en Springs. Las imágenes
revelaban otra forma de relacionarse con el lienzo: el artista se
desplazaba a su alrededor, se inclinaba sobre él y trabajaba desde sus
cuatro lados. Pollock había explicado que esa posición le permitía
sentirse más cerca de la pintura. En 1952, el crítico Harold
Rosenberg describió el lienzo como una arena de acción; desde 1954,
Kazuo Shiraga, integrante del grupo japonés Gutai, llevó esa
relación física con la materia hasta pintar con los pies, colgado de
una cuerda sobre telas tendidas en el suelo. La obra de OtGO comparte
esta disposición corporal, aunque el artista afirma no haber tomado
referencias de otros creadores. En Slavery
Narratives, el suelo adquiere otro significado: se convierte en
el lugar donde la acción pictórica se pone al servicio de la memoria.
Work in progress - YouTube: https://youtu.be/F_Rr5YlGYRA?si=LvNuKBeKE2i_ffsA
Nacido en Ulán Bator, Mongolia, en 1981, OtGO estudió pintura
tradicional mongola y profundizó en las técnicas y la iconografía de
la miniatura en monasterios budistas-lamaístas, antes de continuar su
formación en la Universität der Künste de Berlín. Pintada entre
2013 y 2023, Slavery Narratives
surgió de sus lecturas sobre la historia de los pueblos indígenas de
Norteamérica y la trata transatlántica de personas africanas
esclavizadas. El artista cuenta que le sorprendió descubrir cuánto
desconocía sobre ambas historias y que, desde entonces, no pudo dejar
de pensar en quienes habían sufrido muertes violentas. También
expresa su preocupación por los mecanismos que, a su juicio,
contribuyen a mantener estos acontecimientos invisibles. Según
explica, no fue él quien estableció la conexión entre ambas
historias: considera que esta ya existía, aunque sus relatos suelen
transmitirse por separado.
Los registros audiovisuales del proceso permiten seguir la formación de la imagen. OtGO deja caer hilos de pintura roja sobre el fondo negro, incorpora salpicaduras violetas y amarillas y extiende los pigmentos con las palmas, los dedos y los pies. Sobre la superficie aparecen remolinos blancos y naranjas, zonas ocres y rosadas y vetas oscuras que permanecen visibles bajo las distintas capas. Por todo el lienzo se distribuyen huellas de manos negras, amarillas, blancas y rojas. Estas impresiones funcionan como unidades pictóricas que participan tanto en la construcción de las figuras como en la textura general de la obra.
En 1972, el crítico Leo Steinberg publicó en Artforum, a partir de una conferencia dada en el MoMA en 1968, el concepto de flatbed picture plane para describir una superficie pictórica concebida como un plano horizontal que recibe y conserva las operaciones realizadas sobre ella. La noción resulta pertinente para abordar esta obra: el lienzo de OtGO no oculta las marcas de su ejecución, sino que las incorpora a su lenguaje. El cuerpo deja un registro material de su paso y la duración del proceso permanece inscrita en la pintura. La superficie no es solo el soporte de una representación; también es la huella de una actividad física prolongada.
En distintos puntos de la composición aparece el rostro de un hombre mayor, de tonalidad amarilla, trabajado con líneas finas y salpicaduras de pintura. Su mirada frontal establece un encuentro directo con el espectador. “Es un monumento a estas figuras. Los rostros son retratos de personas que sobrevivieron”, explica OtGO, quien recurrió a fotografías históricas para representarlas. En otra zona, las impresiones de las yemas de los dedos forman el pelaje de un animal de ojos claros: la acumulación de pequeñas marcas termina por configurar una figura reconocible. Como afirma el artista, las huellas de sus manos y sus pies hacen que la pintura no sea únicamente algo creado por él, sino una parte de sí mismo.
OtGO rechaza, sin embargo, que su proceso creativo responda a la espontaneidad. Afirma que las imágenes se habían formado en su subconsciente mucho antes de comenzar a pintar y que la realización de la obra fue un acto espiritual. Esta concepción introduce una tensión respecto a la interpretación habitual del Action Painting, asociado a la acción y al acontecimiento inmediato del gesto. Aunque la superficie conserva la energía visual de esa práctica, el artista entiende la pintura como la manifestación de un proceso interior prolongado. La investigación histórica, apoyada en fotografías y documentación, convive así con una dimensión intuitiva y espiritual. Entre las manchas aparecen rostros, cuerpos humanos, bisontes y cráneos: figuras que emergen de la materia, pero que remiten a vidas y acontecimientos concretos.
Slavery Narratives: The Atlantic slave
trade & The Native Americans by OtGO 2013–2023, acryl on canvas 215 x 1000 cm
Los bisontes ocupan un lugar significativo en esta composición. Para numerosas comunidades indígenas de las Grandes Llanuras, estos animales fueron fundamentales para la subsistencia y la vida cultural. Su matanza masiva durante el siglo XIX contribuyó a debilitar sus formas de vida y estuvo vinculada a los procesos de desposesión colonial. Al reunir bisontes, cráneos y cuerpos humanos, OtGO relaciona la violencia ejercida contra las personas con la destrucción de aquello que sostenía material y culturalmente a sus comunidades. La asociación entre la esclavización de poblaciones africanas y la colonización de los pueblos indígenas exige, no obstante, atender a sus diferencias históricas. La composición invita a una lectura conjunta de ambas historias, pero su proximidad visual no elimina la singularidad de cada experiencia.
Las dimensiones de la obra son decisivas para comprender su ambición conmemorativa. Con diez metros de largo, el lienzo desborda la escala habitual del cuadro y no puede abarcarse desde un único punto de vista. OtGO eligió este formato para hacer visible una historia que considera insuficientemente reconocida y conseguir que se la tome en serio. Cuando la pintura se instala alrededor de las paredes, la superficie sobre la que trabajó desde arriba se levanta y rodea al visitante. Para recorrerla hay que caminar, detenerse ante los detalles y retroceder para descubrir las relaciones entre las figuras. Esta experiencia espacial se vincula con la concepción del artista de que la imagen es infinita y continúa más allá del marco: la pintura no se agota en la superficie visible, sino que sugiere una extensión que escapa a sus límites físicos.
Al terminar la obra, OtGO dejó sobre el lienzo las huellas de los dedos de su mano derecha, cubiertos de pintura negra. Explica que realizó este gesto pensando en las almas de las víctimas y en la posibilidad de ofrecerles consuelo. Su convicción de que la muerte del cuerpo no supone la desaparición del alma permite comprender la dimensión espiritual del proyecto. Tras más de trece años dedicados a este tema, afirma que necesitaba crear estas imágenes para recuperar la calma y que ahora siente que han quedado detrás de él. La investigación continúa en otras obras, entre ellas el tríptico The Galleys of Souls (2013-2021).
En Slavery Narratives, las huellas del artista conviven con las figuras de quienes busca recordar. La pintura registra un proceso físico y construye a la vez una interpretación del pasado, y hacer visible una historia no basta para comprenderla. Al reunir las marcas del cuerpo, los rostros de quienes sobrevivieron y las figuras asociadas a la destrucción de sus comunidades, OtGO construye un espacio de memoria que invita a ser recorrido y reconsiderado. La obra deja abierta una pregunta fundamental: cómo mantener viva la memoria de quienes sufrieron sin reducir sus historias a las imágenes que hoy las representan.
Los registros audiovisuales del proceso permiten seguir la formación de la imagen. OtGO deja caer hilos de pintura roja sobre el fondo negro, incorpora salpicaduras violetas y amarillas y extiende los pigmentos con las palmas, los dedos y los pies. Sobre la superficie aparecen remolinos blancos y naranjas, zonas ocres y rosadas y vetas oscuras que permanecen visibles bajo las distintas capas. Por todo el lienzo se distribuyen huellas de manos negras, amarillas, blancas y rojas. Estas impresiones funcionan como unidades pictóricas que participan tanto en la construcción de las figuras como en la textura general de la obra.
En 1972, el crítico Leo Steinberg publicó en Artforum, a partir de una conferencia dada en el MoMA en 1968, el concepto de flatbed picture plane para describir una superficie pictórica concebida como un plano horizontal que recibe y conserva las operaciones realizadas sobre ella. La noción resulta pertinente para abordar esta obra: el lienzo de OtGO no oculta las marcas de su ejecución, sino que las incorpora a su lenguaje. El cuerpo deja un registro material de su paso y la duración del proceso permanece inscrita en la pintura. La superficie no es solo el soporte de una representación; también es la huella de una actividad física prolongada.
En distintos puntos de la composición aparece el rostro de un hombre mayor, de tonalidad amarilla, trabajado con líneas finas y salpicaduras de pintura. Su mirada frontal establece un encuentro directo con el espectador. “Es un monumento a estas figuras. Los rostros son retratos de personas que sobrevivieron”, explica OtGO, quien recurrió a fotografías históricas para representarlas. En otra zona, las impresiones de las yemas de los dedos forman el pelaje de un animal de ojos claros: la acumulación de pequeñas marcas termina por configurar una figura reconocible. Como afirma el artista, las huellas de sus manos y sus pies hacen que la pintura no sea únicamente algo creado por él, sino una parte de sí mismo.
OtGO rechaza, sin embargo, que su proceso creativo responda a la espontaneidad. Afirma que las imágenes se habían formado en su subconsciente mucho antes de comenzar a pintar y que la realización de la obra fue un acto espiritual. Esta concepción introduce una tensión respecto a la interpretación habitual del Action Painting, asociado a la acción y al acontecimiento inmediato del gesto. Aunque la superficie conserva la energía visual de esa práctica, el artista entiende la pintura como la manifestación de un proceso interior prolongado. La investigación histórica, apoyada en fotografías y documentación, convive así con una dimensión intuitiva y espiritual. Entre las manchas aparecen rostros, cuerpos humanos, bisontes y cráneos: figuras que emergen de la materia, pero que remiten a vidas y acontecimientos concretos.
Slavery Narratives: The Atlantic slave
trade & The Native Americans by OtGO 2013–2023, acryl on canvas 215 x 1000 cmLos bisontes ocupan un lugar significativo en esta composición. Para numerosas comunidades indígenas de las Grandes Llanuras, estos animales fueron fundamentales para la subsistencia y la vida cultural. Su matanza masiva durante el siglo XIX contribuyó a debilitar sus formas de vida y estuvo vinculada a los procesos de desposesión colonial. Al reunir bisontes, cráneos y cuerpos humanos, OtGO relaciona la violencia ejercida contra las personas con la destrucción de aquello que sostenía material y culturalmente a sus comunidades. La asociación entre la esclavización de poblaciones africanas y la colonización de los pueblos indígenas exige, no obstante, atender a sus diferencias históricas. La composición invita a una lectura conjunta de ambas historias, pero su proximidad visual no elimina la singularidad de cada experiencia.
Las dimensiones de la obra son decisivas para comprender su ambición conmemorativa. Con diez metros de largo, el lienzo desborda la escala habitual del cuadro y no puede abarcarse desde un único punto de vista. OtGO eligió este formato para hacer visible una historia que considera insuficientemente reconocida y conseguir que se la tome en serio. Cuando la pintura se instala alrededor de las paredes, la superficie sobre la que trabajó desde arriba se levanta y rodea al visitante. Para recorrerla hay que caminar, detenerse ante los detalles y retroceder para descubrir las relaciones entre las figuras. Esta experiencia espacial se vincula con la concepción del artista de que la imagen es infinita y continúa más allá del marco: la pintura no se agota en la superficie visible, sino que sugiere una extensión que escapa a sus límites físicos.
Al terminar la obra, OtGO dejó sobre el lienzo las huellas de los dedos de su mano derecha, cubiertos de pintura negra. Explica que realizó este gesto pensando en las almas de las víctimas y en la posibilidad de ofrecerles consuelo. Su convicción de que la muerte del cuerpo no supone la desaparición del alma permite comprender la dimensión espiritual del proyecto. Tras más de trece años dedicados a este tema, afirma que necesitaba crear estas imágenes para recuperar la calma y que ahora siente que han quedado detrás de él. La investigación continúa en otras obras, entre ellas el tríptico The Galleys of Souls (2013-2021).
En Slavery Narratives, las huellas del artista conviven con las figuras de quienes busca recordar. La pintura registra un proceso físico y construye a la vez una interpretación del pasado, y hacer visible una historia no basta para comprenderla. Al reunir las marcas del cuerpo, los rostros de quienes sobrevivieron y las figuras asociadas a la destrucción de sus comunidades, OtGO construye un espacio de memoria que invita a ser recorrido y reconsiderado. La obra deja abierta una pregunta fundamental: cómo mantener viva la memoria de quienes sufrieron sin reducir sus historias a las imágenes que hoy las representan.
Texto por Regina Esquenazi Levy
París, Francia 2026
Referencias
1.
Steinberg, Leo. Other Criteria: Confrontations with Twentieth-Century
Art. Oxford University Press, 1972.
2. Rosenberg, Harold. The Tradition of the New. New York: Horizon Press, 1959.
3. Beaux Arts Magazine. “Ce que vous ne saviez peut-être pas sur Jackson Pollock”.
(https://www.beauxarts.com/grand-format/ce-que-vous-ne-saviez-peut-etre-pas-sur-jackson-pollock/)
4. OtGO (Otgonbayar Ershuu). Cuestionario de Regina Esquenazi Levy al artista, 4 de octubre
de 2026. Comunicación por correo electrónico, material facilitado por el artista, cortesía de
OtGO.
5. OtGO (Otgonbayar Ershuu). “Inside the Studio: Behind the Curtain: Origin and Creation of
Painting.” YouTube, 13 de mayo de 2021.
https://youtu.be/F_Rr5YlGYRA?si=E8ELucZUdhod20Cd
2. Rosenberg, Harold. The Tradition of the New. New York: Horizon Press, 1959.
3. Beaux Arts Magazine. “Ce que vous ne saviez peut-être pas sur Jackson Pollock”.
(https://www.beauxarts.com/grand-format/ce-que-vous-ne-saviez-peut-etre-pas-sur-jackson-pollock/)
4. OtGO (Otgonbayar Ershuu). Cuestionario de Regina Esquenazi Levy al artista, 4 de octubre
de 2026. Comunicación por correo electrónico, material facilitado por el artista, cortesía de
OtGO.
5. OtGO (Otgonbayar Ershuu). “Inside the Studio: Behind the Curtain: Origin and Creation of
Painting.” YouTube, 13 de mayo de 2021.
https://youtu.be/F_Rr5YlGYRA?si=E8ELucZUdhod20Cd
.
Detailed view: Slavery Narratives: The Atlantic slave trade & The Native Americans
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Photograph:
circa1892 of a pile of American bison skulls waiting to be ground for
fertilizer. Source: Burton Historical Collection, Detroit Public Library,
Author: Unknown author
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Please also look at this picture:
Triptych: The GALLEYS of SOULS by OtGO 2013–2021 acryl on canvas 215 x 1000 cm
