El tríptico  The Galleys of Souls [Las Galeras de Almas] (2013-2021, acrílico sobre lienzo, 215 x 300 cm, 215 x 400 cm, 215 x 300 cm) toca un tema complejo que ha mantenido ocupado por años al artista OtGO en su estudio, en la ciudad de Berlín, a saber: la esclavitud y el tráfico de seres humanos. A pesar de la continua falta de visibilidad y la sensación de tabú que generan estos asuntos en la sociedad, son cuestiones que han tenido gran significación histórica y que hoy adquieren relevancia nuevamente en el marco de las contiendas políticas que surgen a propósito del movimiento Black Lives Matter en Estados Unidos, la oleada de inmigración de refugiados hacia Europa, y la pandemia del Coronavirus. A la luz de estos eventos, hemos de replantearnos con mayor sensibilidad: ¿Qué implican realmente la esclavitud y el tráfico de personas? ¿Cómo se vincula a ello la pena de galeras? Y puntualmente, ¿Cómo explora OtGO estos tópicos a través de sus obras para habilitarlos dentro del discurso contemporáneo?

Primero que nada, algunas cuestiones generales sobre los términos mencionados,  estrechamente relacionados: desde los albores de la humanidad que hemos estado esclavizando a otros seres humanos. Ya desde la Antigüedad, las esclavas y los esclavos se concibieron económica y legalmente como seres sin libertad, en calidad de posesiones pertenecientes a otras personas. La noción de esclavitud engloba este vínculo de dependencia y es sinónimo de trabajo físico altamente agotador. A través del tiempo y hasta la actualidad, el tráfico humano ha involucrado el secuestro y deportación de personas –usualmente a otros países– para ser explotadas de manera laboral y sexual.

La esclavitud y el tráfico de personas han ganado lamentable notoriedad en la historia mundial. Esto es especialmente cierto en el caso de las principales potencias marítimas europeas durante la denominada Era de los Descubrimientos, que se extendió aproximadamente unos cuatrocientos años después de la Edad Media. Los portugueses fueron los primeros en secuestrar a personas del continente africano, ya en la primera mitad del siglo XV, para intercambiarlas como esclavos a cambio de bienes durante sus viajes marítimos. Pronto, los españoles también comenzaron a ejercer la trata: a partir de su llegada a tierras americanas, comenzaron a esclavizar a la población indígena. En una tercera fase, aprovechando el trabajo forzado de dichos individuos, obtenían materias primas –como algodón, té, café, tabaco, azúcar y metales preciosos– que enviaban por barcos desde las colonias hasta Europa. Y pronto otras potencias colonialistas se sumaron a este “próspero” comercio, entre ellas Inglaterra, Francia, Holanda y Dinamarca, lo que tuvo como resultado una segunda oleada de captura multitudinaria de personas del oeste africano para colonizar el continente americano. De cada cuatro, solo uno sobrevivió a las brutales capturas y deportaciones –hechas en su mayoría por las propias clases altas locales–, y el viaje a través del Atlántico. En los barcos prevalecían las condiciones inhumanas: en hacinamiento, dispuestos cuerpo a cuerpo sobre la cubierta y bajo ella, las personas esclavizadas eran tratadas como piezas de carga. Con cadenas, sin comida ni atención médica y bajo constante maltrato, eran dejados a su suerte, y quienes sufrían de graves enfermedades eran arrojados sin piedad al mar. Con esto en consideración, OtGO ha entrelazado en su obra la cuestión sobre los barcos de esclavos con las galeras, un tipo de navío utilizado antiguamente en el Mediterráneo como barco de guerra impulsado a fuerza de remo. La pena de galeras como expiación del delito implicaba, en esa época, que los convictos eran forzados a trabajar en estos barcos a remo, ocasionándoles a menudo la muerte en crueles condiciones.

En cuanto a la composición,  The Galleys of Souls es un tríptico comprendido de tres pinturas de gran formato con estructuras homogéneas. Vemos cascos verticales en cada una de las pinturas, tres en cada una de las laterales y seis en la central –de mayor dimensión–, que varían en tamaño y dominan el campo visual. Aunque como espectadores podemos identificar que se trata de navíos basándose en el título (Las Galeras de Almas), si adoptamos otras perspectivas podríamos tantear diferentes interpretaciones, especialmente observando desde la distancia e inclinándonos hacia la abstracción: ¿Se trata de un microcosmos orgánico de células y paramecios? ¿Podemos discernir a un nivel macro las hojas de plantas tropicales? o tal vez, mirando de manera más artificiosa, ¿Estamos ante formas de abanicos centroamericanos al estilo de las ornamentaciones mayas? ¿O ante las ventanas iluminadas propias de un espacio sagrado?



Detailed view: The Galleys of Souls

Sin embargo, al aproximarnos a la obra,  los detalles nos arrancan abruptamente de estas inofensivas asociaciones para situarnos ante el tema de los barcos de esclavos. Tras una mirada detenida, estas estructuras nos revelan su interior: comenzamos a reconocer las siluetas de cuerpos alineados en cadena en un riguroso orden. Se trata de figuras humanas, pero se las dispone forzosamente de manera vertical u horizontal, a modo de tablas de madera, para adaptarse a la forma de las galeras. Ellas representan a todos los cuerpos hacinados, casi como sardinas enlatadas si lo dijéramos de manera drástica, en los cascos de las barcazas. Aquellos que han sido obligados a abandonar este terrible “orden” dentro de las galeras o lanzados fuera de ellas, parecen flotar en un amplio arco sobre ellas o arremolinarse en el mar. Ya en este punto, la idea de “almas” –que refiere a la segunda parte del título de la obra– se torna más comprensible. El efecto opresivo es subrayado de manera más formal por las innumerables huellas de manos color rojo sangre dispuestas por OtGO en los lienzos, además de su distintiva firma –consistente en una huella vertical y letras verticales que en esta ocasión toman el mismo tinte sangre– ubicada en la popa de una de las galeras.

En las tres pinturas los colores primarios azul y rojo luchan entre sí en una iluminada paleta cromática. El fondo se enriquece con acentos de violeta y celeste que, a través de capas texturizadas, emulan incipientemente el vasto mar. Las impresiones bidimensionales, aparejadas con el contraste de profundidades cromáticas y tonales, se alternan en las imágenes. El uso de negro engrosa casi la totalidad de la figuración que, en interminables filas, da forma a la estructura interna de los barcos. Todo lo relacionado a estas figuras es negro: los grilletes, formados por curvas que encadenan los cuerpos entre sí a nivel del torso y cuello, así como los codigos alfanuméricos. Advertimos listas sutilmente desplegadas en el fondo pictórico, en el contorno de los navíos y acompañando cada figura humana.
El tercer color primario, amarillo –complementario del violeta– resulta un fuerte matiz de luz destinado a alumbrar el interior de las galeras. Este color también es utilizado en pinceladas que delinean la proa o popa para después fluir en trazos hasta desvanecerse. ¿Se trata de barcos hundidos hace mucho tiempo? ¿Naufragios que permanecen visibles en la superficie? ¿Barcos fantasma? En cualquier caso, esta representación fragmentaria es una reminiscencia de ellos. En cada lienzo, una mancha anaranjada resalta un tramo de los códigos alfanuméricos, creando un efecto de señalización como un pin que sujeta un anuncio en un tablero. A estas alturas queda claro: además de la exploración temática, la pintura en sí misma se exhibe como tal en esta obra.
Lo anterior se evidencia una vez más en la aplicación de pintura que, en una misma paleta cromática y sumada a una fina capa de barniz, fluye en líneas de color que asemejan finos barrotes de prisión a lo largo de la superficie pictórica. ¿O, tal vez, podemos ver fluir sangre y lágrimas? Junto con salpicaduras de pintura (especialmente en el tercer cuerpo de la imagen central), dichos trazos difuminan la presencia de las figuras negras opacas que, de otro modo, resaltarían todavía más como elementos esenciales de la obra. La desfiguración entonces puede no sólo leerse en los naufragios ya mencionados, sino que a menudo surge a partir de los rastros del goteo y las salpicaduras de pintura que desmembran visualmente a las figuras. También, podemos encontrar superposiciones figurativas en los grupos entre los cascos o los “nadadores” alineados en la popa del último barco de la imagen central. Estos últimos están posicionados como si sus almas hubieran recientemente comenzado a tomar vuelo en diagonal al barco.


La interpretación de un evento pictórico concreto queda en manos del espectador ya que la producción de OtGO no sigue ningún esquema narrativo. Esto significa que es el público quien asume la tarea de descifrar la obra, pieza por pieza. Si nos lo permitimos, nos “tropezaremos” en la ambivalencia entre los tópicos de los barcos de esclavos y el de las galeras en el tríptico The Galleys of Souls. Esto, debido a que la representación contradice el título si intentamos distinguir los remos en los barcos, o cuando intentamos entender la disposición de los cuerpos de los esclavos como la de remeros encadenados.Siendo extremidades que simbolizan la libertad según sugiere el artista, las manos de quienes están encadenados entre sí permanecen invisibles. A pesar de la omisión, nos inclinamos a interpretar algunos de los números y letras adyacentes como si se tratase de remos codificados, en el más amplio sentido de la palabra. Pero estos códigos no nos revelan su secreto, ya que se desplazan entre el anonimato y un rótulo identificatorio. El artista despliega insistentemente el término “bool”  (боол), que en mongolés refiere a “esclavo”, lo que podemos advertir, por ejemplo, entre el segundo y tercer casco. Otras listas más acotadas de nombres aportan algunas variaciones de estas codificaciones, como vemos en el borde derecho de la tercera pieza. Estos, corresponden a figuras históricas de todo el mundo que fueron víctimas de la esclavitud.

Buscando abrirnos a la lectura de la metamorfosis en la producción de OtGO, como aquel “cambio de estatus” del esclavo liberador o una transición de la vida a la muerte, seguimos los patrones de movimiento y las extendidas extremidades de las figuras fuera de los barcos. No nos basta la representación, sin embargo, para que podamos determinar si estos cuerpos encarnan a personas vivas nadando, alma en vuelo o muertos danzantes. Incluso sin sus grilletes, quienes estan al exterior de las galeras continúan siendo siluetas sin rostro y tienen el mismo color que sus hermanos y hermanas a bordo. En conjunto, nos recuerdan el destino de los esclavos que atravesaron estos viajes, cuyas vidas habitualmente acabaron de manera fugaz y desapercibida.

En la búsqueda de comparaciones histórico-artísticas e intermediales para esta obra de OtGO, mencionaremos tres casos ejemplares. Primeramente, si nos distanciamos radicalmente del tema y nos centramos únicamente en la figuración y el aspecto cromático, una opción es la pieza díptica Electric Night (1979, temple sobre algodón crudo, 200 x 300 cm, Städel Museum, Fráncfort del Meno), pintada por Helmut Middendorf. Las figuras del entonces “New Savage” [Nuevo Salvaje], de la Galerie am Moritzplatz in Berlin-Kreuzberg ilustran bailarines nocturnos y podrían, en ese sentido, resultar contrarias a las figuras esclavizadas plasmadas por OtGO. No obstante, Middendorf también articuló los cuerpos de modo minimalista, como siluetas oscuras en una mezcla de azules y rojos. Sus piernas y brazos son por lo demás similares a las de los cuerpos fuera de los navíos.
En segundo lugar, si indagamos en objetos y estructuras analógicas afroamericanas, vale traer a colación una de las estrellas de la escena neoyorkina de los años ochenta: el artista grafitero e íntimo de Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat (1960-1988), quien dejaba mensajes en las calles del SoHo bajo el seudónimo SAMO© (por “same old shit” [“la misma mierda de siempre”], el racismo que persiste). De igual manera en sus pinturas, como en Irony of a Negro Policeman (1981, acrílico, óleo y y lápiz sobre lienzo, 122 x 183 cm, colección privada, Nueva York) escribe comentarios relativos al título de la pieza. Así, el vínculo entre texto e imagen es central en el debate de su obra, una cuestión que aplica igualmente al tríptico The Galleys of Souls, aunque en esta última la escritura (“bool” y otros nombres) es más sutil y semánticamente más indefinida que en la producción de Basquiat.
En tercer lugar, numerosos largometrajes abordan la esclavitud desde diferentes miradas, ya sea desde el sufrimiento en los barcos de esclavos o mostrando la antigua pena de galeras. Entre los ejemplos podemos encontrar a Harriet (2019), que nos cuenta la historia del activismo abolicionista y feminista de la afroamericana Harriet Tubman (1820-1913), Amistad (1997) de Steven Spielberg, o la adaptación literaria de Ben Hur (2016) basada en la novela de Lew Wallace, solo por mencionar tres producciones estadounidenses de los últimos veinticinco años.

Hasta ahora, estos ejemplos resultan fragmentarios respecto del amplio tema que el tríptico de OtGO aborda. El objetivo es visibilizar una cuestión que ha dejado profundas cicatrices en la memoria colectiva de las personas negras; un tópico que, de manera frustrante, a menudo permanece invisible o es invisibilizado deliberadamente. Al momento de tratarlo artísticamente, existen ciertas posturas controvertidas. Al respecto, OtGO comenta lo siguiente:

“Una de las posturas radicales es adoptada, por ejemplo, por Kara Walker, fcuya obra he seguido durante varios años. Es de las pocas que ha atraído suficiente atención sobre el asunto, lo que podría haberse acrecentado desde el surgimiento del movimiento Black Lives Matter. Sus dibujos a gran escala logran conmover al espectador. Con sus grotescas siluetas, el estilo de ensueño de la representación se contrapone a la agresividad y obscenidad de su contenido. Con sus instalaciones, Walker apunta a provocar al público. Para denunciar la trata trasatlántica de esclavos impulsada por el imperio británico, instaló Fons Americanus (2019-2021) en la sala Turbine Hall de la Tate Modern. Esta fuente alegórica se erige como un “anti monumento” contra el Victoria Memorial de Londres.”

Por su parte, OtGO se inclina por explorar una veta conciliadora. En sus palabras, él mismo se ve como un "embajador" que ha tomado la tarea de erigir un “monumento” a estas personas a través de la pintura. Incluso, anhela encarar el alma de los esclavos fallecidos “con respeto y devoción” para poder finalmente “liberarles y redimirles”, según dice. El artista subraya este sentido espiritual otorgándole a la obra el formato de tríptico, al modo de los retablos tradicionales. Por otro lado, mediante la pintura, es él quien también se libera de un motivo que lo ha atormentado ya demasiado tiempo.
Y a través de estas circunstancias “liberadoras”, OtGO conecta con el método de otra artista que encara el difícil capítulo de la esclavitud de una manera igualmente positiva. Con su trabajo, la coreógrafa Bintou Dembélé está cimentando una nueva vía que enlaza opuestos aparentemente irreconciliables: en París, presentó la ópera-ballet Les Indes Galantes (1735), de Jean-Phillipe Rameau, con bailarines de hip-hop en una "decolonised version" durante 2019. Con esto, ¡se convierte en la primera mujer negra que asume esta tarea en la prestigiosa Ópera Bastille de París desde que la pieza fuera compuesta en la época barroca! Al verla bailar, queda claro aquello a lo que apunta: actualizar la historia de la esclavitud a través de sus "movimientos", como señaló en una entrevista. Lo hace para "conmemorar" a los "marrones", esclavos fugitivos de las plantaciones, y para "transformar el lenguaje de los opresores". Y sostiene además que "mantenerse firme" es la máxima para liberar a estas personas y preservar su memoria. Su cuerpo responde a la contrafuerza física mediante inversiones fluidas. Por ejemplo, con sus movimientos "libera" simbólicamente a los oprimidos mediante suaves gestos con las manos en espiral hacia arriba, sobre su propia cabeza, "hacia el cielo". Los movimientos de Bintou Dembélé trazan así, en la danza para el "marronage", lo que las figuras salidas de los barcos de esclavos pintadas por OtGO sugieren en gestos expresivos.



 

En conclusión, ni la coreógrafa Bintou Dembélé ni el pintor OtGO pueden reescribir la historia de la esclavitud. Pero sí, transmitirla a la gente a través de su arte y, como modelos a seguir, promover en la sociedad actual una mayor sensibilidad y esperanza desde una aproximación positiva. Estados Unidos firmó la abolición de la esclavitud en 1865. Hoy en día, no obstante, las personas negras, tanto allí como en otros países, son víctimas de racismo, tortura y violencia policial como derivados actuales de la esclavitud. Persiste también en la esclavización de infancias en África, el Caribe y la India, la huída y el ahogamiento de refugiados en el Mediterráneo, y la trata de personas en Europa del Este y el Sudeste Asiático, por cuanto siguen siendo fenómenos comunes. Esto debería darnos qué pensar, especialmente con la crisis actual y sus consiguientes complicaciones que, de todos modos, nos demanda diariamente valentía y humanidad.



Referencias  (selección)